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Avanguardia e arte contemporanea: la percezione sociale del valore di un'opera d'arte

Avanguardia e arte contemporanea: la percezione sociale del valore di un'opera d'arte

Marzo 28, 2024

"L'arte è mortalmente minacciata da una società che ne è entusiasta solo nella sala delle aste e la cui logica astratta strappa il mondo alla sua delicata qualità".

Terry Eagleton

il avanguardia , o «Arte d'avanguardia» , emerso all'inizio del secolo scorso, era alimentato dal rifiuto e dalla critica delle tradizioni allo scopo di trascendere il suo tempo storico in una nuova creazione. Questa arte, rivoluzionaria e rivoluzionaria , tipico della modernità e, quindi, simile ai tempi convulsi quando tutto era possibile, in contrasto con la moda attuale, o «Arte postmoderna» .


Il passaggio dall'arte d'avanguardia all'arte postmoderna è apparentemente preservato un atteggiamento dissidente, ma sempre in linea con la sua introduzione al circuito del consumo quotidiano. Trasformato in un'intera sottocultura, ora il critico non è altro che una moda o uno stile di vita in cui l'atteggiamento ribelle non trova alcuna discrepanza con la falsa pienezza di una vita gioiosa che preserva l'ordine stabilito delle cose.

Il fatto che l'arte postmoderna non aspira a superare la società non significa che basta alle convenzioni dell'ordine stabilito per la sua produzione, poiché questo piuttosto opera creando una colpa alla società che pretende di fornire attraverso la sua creazione. Non si tratta di negare la società come un tutto olistico, ma di aprire interstizi in esso, bisogni materiali o spirituali che devono essere colmati dal nuovo lavoro.


Ma guardando indietro per stabilire un certo paragone rispetto all'attuale sviluppo artistico, si può dire che, nonostante abbia una vocazione a utopia sociale , l'arte d'avanguardia tendeva a diventare una creazione intima, da e per l'autore stesso. Al contrario, l'arte postmoderna, priva di ogni impegno sociale, è spogliata di ogni volontà idealista che trascende l'ordine stabilito delle cose, è una creazione in continua proiezione verso l'esterno: Ha senso solo essere diffuso e consumato .

Questo è spiegato dal fatto che la creazione artistica, arrogata dal designer industriali e le agenzie pubblicitarie, smette di essere nelle mani di alcuni virtuosi per i quali la produzione di massa dell'opera d'arte avrebbe invalidato la propria condizione artistica: ogni opera, se trattata come arte, dovrebbe essere unica e unica. Presta attenzione alla considerazione per cui l'arte è associata al sublime, e questo è eccezionale .


L'arte popolare che diventa moda, con pop art come esponente, ci ha lasciato lattine di zuppa (Campbell ) anche nella zuppa. La serigrafia, in effetti, è una tecnica la cui caratteristica principale è fattibilità nella riproduzione . Allo stesso modo, la moda, nel suo senso ampio, allude a quelle tendenze ripetitive, che si tratti di abbigliamento, consumo o, in definitiva, di comportamento.

in tal modo, sebbene l'avanguardia facesse parte della "cultura alta", un motivo di distinzione, la moda come epifenomeno della "cultura di massa" è omogenea per natura , perdendo l'astrazione che l'arte poteva esigere durante le avanguardie e diventare un prodotto del più mondano e secolare: l'arte passava dai templi, in allusione ai musei o ai teatri in cui venivano eseguiti atti di culto, allo schermo di televisione, in cui ogni pubblicità pubblicitaria è di per sé una creazione.

È vero che la moda in quanto tale non costituisce un nuovo tipo di arte , a differenza delle avanguardie che erano movimenti artistici di un periodo specifico. In effetti, la moda è un'allusione alle usanze, non limitate al campo artistico, che segnano un momento o un luogo specifico, quindi possiamo dire che la moda era qualcosa, non già contemporanea alle avanguardie, ma molto prima di loro .

Succede, tuttavia, quello ora tutta l'arte è moda . Nel campo artistico, l'influenza della postmodernità significa che le tendenze non sono le stesse dello sviluppo delle precedenti avanguardie in cui vi era uno sviluppo progressivo in sintonia con un secolo socialmente e tecnologicamente rivoluzionario, poiché al giorno d'oggi le tendenze del la moda è, in molti casi, regressiva.

Tracciando il passato per recuperare i suoi attributi, oltre a sondare il futuro per anticiparne gli epiteti, la moda stabilisce un presente incostante e irresoluto che è noto con una data di scadenza: a differenza dell'arte d'avanguardia, rivendicata come la punta di diamante di un processo socio-politico che ha guidato , l'arte attuale è progettata per svanire, perché solo creando tendenze transitorie e deperibili soddisfa lo scopo di creare picchi di consumo ad ogni nuovo aspetto.

In altre parole, il breve ciclo della moda richiede vendite istantanee e di massa di articoli per un uso breve e intensivo in modo tale che la novità avvenga a kitsch sapendo che prima o poi diventerà kitsch. E avendo il ritorno economico per sostanza, le attuali tendenze artistiche sono parziali e non ecumeniche , perché intendono trovare mercati di nicchia da occupare, per poi reinventare.

Alla luce di ciò, è evidente che, mentre l'arte d'avanguardia è quella delle minoranze che aspirano a raggiungere le maggioranze, l'arte della moda è quella delle maggioranze che aspirano a diventare minoranze . E non avendo motivazioni, la moda cerca qui o là influenze, per di più: come può l'arte postmoderna accompagnare la società se è essenzialmente scettica sull'esistenza di una realtà oggettiva e, di conseguenza, con la possibilità di trasformarla.

E poiché la postmodernità non solo non fornisce, ma nega, i giudizi sugli elementi qualitativi, necessari per definire la realtà sociale, ma anche la realtà del lavoro artistico secondo criteri di buono o cattivo, carino o brutto, tutto ciò che rimane è il principio guida la quantità . Il principio con cui più persone vengono all'arte (più è venduto) meglio sarà, rende questa arte un'arte eminentemente banale . Questa è la condizione dell'arte di massa o popolare.Il lavoro che una volta veniva rivendicato, a volte come anti-arte, oggi assume la forma di qualsiasi pietra miliare progettata per (e assimilata dal) mercato dell'arte .

In ogni caso,il processo psicologico attraverso il quale la pietra miliare viene concepita come un'opera d'arte è che il pezzo non ha un valore in se stesso ed è sempre soggetto a un fattore esterno alla sua realtà come, per esempio, la citazione raggiunta dall'autore sulla base di convenzionalismi altamente discutibili. In questo modo, proprio come la pubblicità non vende la saponetta ma l'idea della bellezza, l'arte contemporanea è incline ad offrirsi come interfaccia di un oggetto, o addirittura di esperienza, essenzialmente simbolico .

Ma un'arte che, sebbene considerata soggettiva e aperta a tutti i tipi di interpretazione, richiede un riconoscimento esterno è di per sé contraddittoria . L'attuale opera d'arte può anche essere considerata una serie di immagini, suoni e parole presenti in qualsiasi area della nostra vita quotidiana. In questo caso il lavoro sarebbe tutto e, a sua volta, non sarebbe nulla (la performance è quel lavoro che, resistendo ad entrare nel circuito commerciale attraverso il quale circola il valore di scambio, è effimero a causa delle proprie idiosincrasie).

Sembra che l'avanguardia sia stata strangolata dagli anelli di plastica delle lattine di soda e il suo cadavere sia stato sepolto sotto litri e litri di vernice plastica che, sovrapponendo un colore su un altro, è venuto a formare un tumulo che ha generato il nuovo lavoro di arte, nata direttamente dalla terra e non dai fiori che ne derivano. Forse lo scopo ultimo dell'arte non è altro che la sua mancanza di scopo quindi, come critico silenzioso della razionalità strumentale e dei valori di mercato, acquisisce il suo scopo in gagé l'autonomia del valore, il rovescio dell'utilità capitalista.


Advisory Council Meeting, 30 September 2014, Warsaw (Marzo 2024).


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